¿Pop progresivo o un alejamiento imperceptible del arte? Una mirada superficial a Kino y Genesis

Esta pregunta me surgió hace un par de años cuando escuché por primera vez un proyecto inglés llamado Kino, conformado por algunas de las más grandes personalidades del rock progresivo, incluyendo a John Mitchell de Arena y Chris Maitland de Purcupine Tree, entre otros. Para este análisis sólo recurriré a esta banda y por supuesto a quienes generaron un gran debate en torno a esta cuestión al finalizar la década de los 70: Genesis.

El asunto es que cuando escuché a Kino y más específicamente su único álbum titulado Picture, sabiendo por quienes estaba conformada esta agrupación, me preparé para creación de ambientes y atmósferas, tal y como acostumbran Mitchell; Maitland; Trawavas, bajista de Marillion y John Beck de It Bites, aunque debo confesar que no he seguido de manera juiciosa la carrera de esta banda. Sin embargo, encontré algo diferente y trataré de resumirlo: Alta calidad musical, basada en formas no del todo complejas, recurriendo a estructuras tradicionales de música popular e incluso letras y música ligeras. Conservan las canciones relativamente largas.

Algunas personas tienen por costumbre encasillar en algún género a las agrupaciones que se escuchan por primera vez y ahí estuvo el primer reto: De acuerdo con las características descritas, el grupo podría compartir escena con Oasis, Coldplay, Radiohead o Muse o algunas similares, bandas que por cierto cuentan con toda mi admiración. Pero a la vez Kino plasma exposiciones artísticas muy bien definidas; el grupo está conformado por músicos que imprimen virtuosismo y diseños poco comunes en sus canciones, algo que también es evidente en Picture… ¿A qué género pertenecen?

Revisando antecedentes
Kino además es un grupo que produce una profunda meditación o por lo menos genera cuestionamientos acerca de si todo está inventado, en la música y en la vida misma. Aunque el álbum Picture no es una obra maestra del Rock, hay que anotar que es un gran referente para estas nuevas tendencias y por qué no, lo que podría ser el rock progresivo en el mediano plazo. Bastante destacables son las canciones Loser’s Day Parade, la cual abre el disco y People, composición con la que Kino pretende esas influencias progresivas, por medio de la instrumentación, variaciones contundentes en los cambios tonales, entre otras características.

Del “Genesis” a la “Revelación”
Kino es una agrupación que además puede quedarse en la vida de un melómano, además es fácil de comprender y asimilar su música, si se tiene en cuenta que es rock progresivo. Es este mismo concepto del rock progresivo con todos sus matices el que permite visualizar y percibir respuestas obvias que al principio no lo fueron: Genesis, quienes fueran fundadores de este género, cambiaron al pasar de los años hasta convertirse en una agrupación totalmente encasillada en el pop británico de los 80. La transición tiene nombre propio y fue el álbum de 1980 titulado Duke, obra maestra del Symphonic Prog, pero además un excelente álbum para los amantes de los sonidos ligeros y en general del pop: una conjugación de dos mundos para crear perfección y el ejemplo más claro: Turn It On Again.

Por esta razón, para quienes busquen la “piedra filosofal” de la música contemporánea, relacionada con el rock, puede ser Duke. Fue el último disco de la banda lleno de pinceladas artísticas pero a la vez una aproximación a gustos genéricos. Luego de 1980, Genesis se convertiría en un grupo de pop – rock con muchos éxitos en ventas, en especial los temas de sus discos Abacab e Invisible Touch, los cuales conservaron vestigios progresivos evidentes en Dodo/Lurker, Domino y The Brazilian, entre otras.

Y como si en realidad hubieran sido la Revelación aparecieron más artísitas que utilizaron la fusión de dos géneros que fueron descritos en varias oportunidades como polos opuestos (rock progresivo y pop) para crear obras maestras atribuidas sólo a los genios: Supertramp, Queen, Kansas e incluso King Crimson en algunos periodos de su carrera.

En la historia del género progresivo fueron necesarios estos lapsos de ligereza, en los cuales los artistas logran entrar a un mundo diferente y en muchas ocasiones retornar a las raíces complejas con una visión más amplia y una aproximación a una realidad más sencilla, por lo menos en cuanto a música se refiere.

Acerca del álbum conceptual y las historias hechas música

El término conceptual, en el género progresivo y la música en general, se refiere a los discos elaborados con base en historias originales o ideadas de manera específica para el álbum. Durante los periodos de la música, ha sido recurrente que los compositores recurran a relatos cuyos contenidos ayudaron a crear de manera musical ambientes descriptivos llenos de magia, fantasía e imaginación.

Mozart y su “Flauta Mágica”; Tchaikovsky con el “Cascanueces”; Wagner y sus interminables mitos germánicos traducidos en música; Debussy y “La Mer” son pocos pero relevantes ejemplos que nos muestran el concepto a lo largo de la historia en la música.

Pocos años después del nacimiento del rock, surgió una evolución que desde su comienzo no tendría fin y se haría más exigente con el transcurso de los años. Recordemos, el Rock inició a comienzos de la década de los 50 y adquirió un nivel de consolidación a comienzos y mediados de los 60 con la invasión británica a América. Pasaron menos de 20 años antes de que el rock fuera alimentado con elementos artísticos y se desarrollara el concepto en los álbumes: el rock dejaría de ser un género vacío y superficial para llegar a un nivel estético y virtuoso jamás imaginado.

Existen varios puntos de vista con respecto a ese génesis del rock progresivo, representado por el concepto en el álbum. Presento el mío: Los primeros esbozos los produjeron en Inglaterra The Beatles, The Who y Pink Floyd. Aunque en Estados Unidos, The Beach Boys trabajaban en Pet Sounds, es indudable que Europa siempre ha aportado consolidaciones, en cuanto a música se refiere.

Si bien Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band es el primer álbum conceptual de la historia, gracias a la sinergia entre su portada y algunos contenidos líricos, es poco fundamentado catalogarlo puramente progresivo. Al finalizar la década, las bandas se enfocaron en la realización de discos de altísima calidad musical y también incluyendo un elemento novedoso: el concepto.

Tommy (The Who), In The Court Of The Crimson King (King Crimson), Aqualung (Jethro Tull) fueron algunos de los discos compuestos bajo las características de “álbum conceptual”. El poco tiempo transcurrido de esta evolución no fue impedimento para el desarrollo y la calidad de estos trabajos. Sin embargo, los grupos progresivos que nacían en todo el planeta no asumieron el concepto como dogma total dentro de su discografía. Este no fue un inconveniente, pues de manera paralela surgían álbumes que no eran conceptuales, pero de gran calidad, como por ejemplo The Dark Side Of The Moon, el cual fue publicado en los inicios de los 70, al igual que los mencionados con anterioridad.

Las composiciones de álbumes conceptuales también generaron su propio avance y crecimiento intelectual: de esta manera, antes de finalizar la década de los 70, surgieron: The Wall (Pink Floyd); Duke (Genesis); Variations (Andrew Lloyd Webber), disco que está referenciado en ProgArchives como esencial y pieza maestra de la música progresiva.

Características principales de los álbumes conceptuales en la música progresiva

Como mencioné anteriormente, la música conceptual no es exclusiva del progresivo y no todos los discos compuestos en este género tienen la particularidad del concepto. A continuación enumeraré algunas de las características que han acompañado los trabajos discográficos, así como algunos de estos álbumes, haciendo la aclaración que no corresponden, necesariamente, a los más representativos, pero con un grado de importancia dentro de la escena:

• En los discos ha sido recurrente el desarrollo musical de historias ya existentes: por ejemplo “Alicia en el País de las Maravillas”, “La Odisea”, “La Isla del Tesoro”, e incluso “Pedro y el Lobo”.


• Las ideas originales de los artistas, también han sido plasmadas en sus discos y estos corresponden a una etapa posterior y más comercial de la música progresiva: “In The Court Of The Crimson King”, “Tommy”, “The Wall”, “Scenes From A Memory” y por qué no Rhapsody con su interminable saga sobre Algalord, dragones, Dargor y demás creaciones fantásticas, desarrolladas en todos sus discos, desde sus inicios.


• El uso de personajes jóvenes y en búsqueda de respuestas o claridad con respecto a una situación particular. (Hay ejemplos claros: Tommy, el niño ciego, sordo y mudo, Victoria, la “mujer joven” que en parte inspira Scenes From a Memory; y las recurrentes figuras infantiles usadas por Andy Kuntz en Abydos).


• Situaciones y personajes figurativos, poco ortodoxos. De igual forma, un lenguaje descriptivo implícito, el cual deja mucho a la imaginación.


• Uso de varias figuras mitológicas e históricas que se unen para crear un único concepto. P. ej. The New Mythology Suite, de Symphony X.


• Continuación del concepto en discos posteriores, como lo haría The Beatles y la supuesta muerte de Paul McCartney en Sgt. Peppers, que sería simbolizada hasta el final de la agrupación con el disco Abbey Road. Dream Theter lo realiza desde Scenes From a Memory hasta Octavarium.
  

El concepto en la música es fundamental, como en cualquier tipo de arte. Y se debe resaltar que un álbum conceptual elaborado pretendiendo la perfección y con el conocimiento sobre el cual se basó es una pieza maestra, de lo contrario, hará parte del olvido intencional en la historia.

Estos son algunos de mis recomendados que he escuchado últimamente:

Ziltoid The Omnisient, Devin Townsend: Una historia bastante amena, creativa y con altísima calidad técnica, en la cual el extraterrestre Ziltoid llega a la Tierra con todo tipo de ocurrencias, dispuesto a hacer todo por conseguir una taza de café. Un disco recomendado para los amantes del Math/Post Rock y nuevas tendencias musicales.

The Human Equation, Ayereon: Narra la historia de un hombre que se encuentra en un hospital, tras sufrir un accidente. A lo largo de 20 días reconstruye los sucesos y descubre por qué está ahí.

V: The New Mythology Suite, Symphony X: Un recorrido de Symphony X por el mediterráneo y las historias que alguna vez hicieron grande a esta región: se incluyen referencias explícitas de Grecia y Egipto.

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, The Beatles: El primer album conceptual de la historia en el cual The Beatles representan a una banda ficticia (Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band). El disco, en parte, describe la muerte de Paul McCartney, quien es reemplazado por Billy Shears. Desde la portada está lleno de claves. El bajo hecho de flores sólo tiene tres cuerdas, en la parte de atrás aparece McCartney de espaladas y tanto Lovely Rita como A Day In The Life describen el accidente en el que se produjo la supuesta muerte.

Tommy, The Who: Un niño es el protagonista de esta historia, en la cual queda ciego, sordo y mudo luego de un trauma psicológico generado por un asesinato que presencia. Su vida se llena de más dificultades al tener en su familia varias personas que abusan de él. Sin embargo, al final hay un espacio para el resurgimiento personal.

The Wall, Pink Floyd: Una de las críticas más directas al modus vivendi británico a través de la historia de Pink, quien pone ladrillos para la construcción de su muro, los cuales representan cada uno de los malestares sociales. Al final, a través del “juicio” logra su liberación y transitar el camino de una nueva oportunidad.

Scenes From a Memory, Metropolis Pt. 2: Nicholas siente que no es el mismo y recuerda historias que nunca vivió. Es el resultado de la reencarnación de Victoria Page, quien sufrió una muerte misteriosa. Al final Nicholas sufrirá un final sorpresivo. Asimismo esta historia marca el inicio de la saga de Mike Portnoy de los 12 pasos para la rehabilitación del alcoholismo.

Escenas de una noche inolvidable

Es mi responsabilidad ofrecer disculpas a quien lea esto por el tono excesivo de admiración hacia Dream Theater, pero quien haya asistido al concierto entenderá cada una de mis palabras y asimilará con satisfacción emocional lo que quiero transmitir.

El más reciente concierto de Dream Theater en Colombia generó varias percepciones y puntos de vista; todos enfocados hacia la magnificencia de la banda norteamericana que por segunda vez nos visitó.

12 de marzo de 2008, una tarde lluviosa, gris y fría. El motivo de la espera incondicional: Dream Theater en el Coliseo El Campín, luego de casi tres años desde su última visita y una evolución musical frecuente, pero que no deja de sorprender. Algo en mí gritaba, con el fin de alejar preocupaciones triviales como el seguro resfriado que vendría luego de soportar varios litros de agua que caían del cielo y penetraban por la ropa hasta el cuerpo: la nerviosa y dulce expectativa.

Afuera del Coliseo, en la carrera 30, desde las 2:00 p.m. ya los imaginaba en el escenario proyectando y ejecutando las maravillas musicales sólo comparables con el sonido que el Universo mismo debe generar. En este punto es mi obligación admitir que mi imaginación voló al extremo de esbozar a Portnoy, Petrucci, LaBrie, Rudess y Myung con la magnificencia que los vería más tarde a través de esas animaciones diseñadas de manera impecable, mesiánica y, con todo el derecho, arrogantes.

Ahora, recordando el momento, pienso que ese fue uno de los aportes indirectos de Dream Theater: Antes de su llegada, me permitieron vivir con intensidad esos momentos de intimidad que el mundo actual nos interrumpe. ¿ Cuál es ese sentimiento que nos genera Dream Theater, permanece en un lugar muy profundo pero no podemos transmitir? Quien los haya visto y disfrutado con plenitud mientras estaban en el escenario me entenderá.

Luego de las 6:00 p.m. la espera, tomaba tintes más desesperados y muy poco comprensibles: el reloj de mi cabeza sonaba como los primeros segundos de “Scenes From A Memory”. Y sin más preámbulos, el momento llegó: el semáforo invertido, símbolo conceptual de “Systematic Chaos”, ubicado sobre el escenario, pasó del rojo inferior al amarillo y unos segundos después... verde superior. Ese instante, difícil de describir, significó una de las emociones más grandes de mi vida. En parte porque la música ha sido mi refugio incondicional y ahora iba a presenciar a los gestores, a mis aliados, a unos amigos que de forma indirecta me han acompañado en diferentes circunstancias.

La primera imagen que llegó a mis ojos luego de caer el telón fue una sonrisa sincera, amable y con algo de asombro de Mike Portnoy, mientras realizaba los primeros redobles de Constant Motion. Lo demás permanece en un lugar muy profundo de mi inmanencia. Mi intención era acompañar a la banda, cantando mis canciones favoritas pero este propósito quedó en el olvido: de principio a fin estos cinco músicos me dejaron maravillado y sin más posibilidades emocionales sino admirarlos. Así sucedió desde Constant Motion hasta Razor’s Edge, pasando por Take The Time, Voices y las demás. Luego retorné a un mundo lleno de cualidades pero también de defectos. Durante dos horas estuve en medio de la perfección.

Erotomania... la trascendencia

Fue un recorrido musical y visual por una carrera llena de genialidad. No sólo produjeron impacto en mí cada una de las notas interpretadas sino la preparación audiovisual para esta gira. Erotomania significó un viaje hacia cada uno de los discos de manera visual, entendiendo el arte figurativo de ellos. El tiempo, amado por unos y despreciado por otros, fue uno de los cómplices, una de las herramientas más recurrentes en este viaje. Desde Awake, pasando pro los demás álbumes de manera aleatoria comprendí que el arte de Dream Theater trasciende hacia esferas sólo comprensibles cuando hay una apertura de mente y espíritu.

La banda

El rock progresivo no tendría el significado actual sin los aportes de Dream Theater. La puesta en escena es difícil de describir porque fue una entrega total de sentimientos a través de la música más elaborada y estructural de nuestros días. También es destacable que el virtuosismo no reemplaza el carisma en ninguno de sus integrantes. Esta vez Jordan Rudess sorprendió a la audiencia con su sintetizador y los tándems logrados con John Petrucci, quien a su vez demostró tener habilidades únicas para la ejecución de las 6 cuerdas. James LaBrie estuvo más cercano al público; sintió el cariño de la audiencia y su cordialidad fue evidente y su voz ignoró cualquier dificultad en el sonido y la acústica. ¿Qué sería de Dream Theater sin las vibraciones agresivas, imposibles y llenas de talento producidas por John Myung y su bajo? Mike Portnoy no necesita de ningún tipo de comentario; cada palabra sería insuficiente para expresar las sensaciones generadas por los redobles del mejor baterista del mundo.

Para recordar...
La esencia misma del show. Los atrevimientos musicales de cada uno y la armonía creada por todos.
El uso de altas técnicas audiovisuales para recrear un concierto que adquirió un concepto propio y altruista.
El virtuosismo y alta capacidad interpretativa que una vez más quedaron en evidencia.
Las sonrisas interminables y expresiones de satisfacción de Portnoy, Petrucci, LaBrie, Rudess y Myung hacia el público.
Un público entregado, apasionado, responsable que le dejó los mejores recuerdos de Colombia a Dream Theater.

Para mejorar...
La infraestructura de los lugares destinados para el desarrollo de este tipo de actividades culturales.
El sonido y la acústica, teniendo en cuenta que nos visitaban los músicos más virtuosos del mundo.
La logística de este tipo de eventos en nuestro país. Los organizadores deben preocuparse más por la atención adecuada del público y no por la ubicación a última hora de un pendón publicitario.
El ingreso de las personas al Coliseo.
La segmentación de la boletería. Es inconveniente que en pleno siglo XXI y con una asistencia tan numerosa sólo existan dos clasificaciones para las boletas; esto genera mayor desorden y pocas posibilidades de entretenimiento para quienes se ubican en la parte más posterior de VIP.

Para olvidar...
Los antisociales y desadaptados que aún no tienen la capacidad educativa y cultural para disfrutar un show de primer mundo (por fortuna fueron pocos). Ver el comportamiento cultural de la audiencia en el Radio City Music Hall.
La displicencia de la Policía al presenciar hurtos y atracos en las filas de VIP, antes del ingreso al Coliseo.

Chaos In Motion Tour – Colombia

Luego de casi tres años, los seguidores de Dream Theater en Colombia viviremos una nueva experiencia cargada de atmósferas más densas y explosivas, por así decirlo. El 12 de marzo, la banda neoyorquina se presentará con su gira, Chaos In Motion Tour, caracterizada por música y letras más oscuras, camino recorrido por la banda a través de su último álbum en estudio, Systematic Chaos.

Sin dejar de lado sus raíces progresivas, Dream Theater ofrece, por medio de su gira, una propuesta más enérgica, con riffs más agresivos, redobles veloces, teclados que evocan drama y vocales más rasgados, cortesía de La Brie – Portnoy; aunque hay seguidores que sugieren un descanso para la voz de Mike Portnoy.

Son indiscutibles la calidad y el virtuosismo de James La Brie, John Myung, John Petrucci, Mike Portnoy y Jordan Rudess, quienes han sido calificados en varias ocasiones como los mejores músicos del mundo. Adjetivo que la misma banda se ha encargado de construir y fortalecer por medio de trabajos y obras excepcionales, las cuales han servido para también superar las adversidades.

Existen varias posibilidades de Set List para esta gira. A continuación presento algunos de los temas comunes que surgen en las diferentes opciones: Cosntant Motion, Forsaken, que hacen parte de su último disco; Overture 1928 y Strange Deja Vu, de su genial y único álbum conceptual “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory”; Pull Me Under y Take The Time, remembranzas de “Images and Words”; Panic Attack, la gran ausente de su gira conmemorativa por los 20 años de música y que hace parte de “Octavarium”; y además, un medley preparado especialmente para el Constant In Motion Tour, el cual será la gran sorpresa del espectáculo.
De su evolución y acerca de “Systematic Chaos”, Dream Theater ha recurrido a formas musicales y temáticas más oscuras y densas. Excepto Repentance, canción compuesta por Portnoy y que hace parte de su saga “AA” con una letra triste pero al mismo tiempo reconfortante, el disco es una alusión profunda a tragedias, dramas y desordenes emocionales, transmitidos no sólo a través de las letras sino con espacios instrumentales pesados, que dejan de lado el ambiente melódico y armonioso de trabajos como “Awake”, “Scenes From A Memory” y “Octavarium”.

Con la visita de un grande, aparecen varias especulaciones; paradójicamente podremos estar seguros de que su calidad también estará presente y las decepciones no tendrán cabida.

Imágenes tomadas de http://www.dreamtheater.com.ve/

Acerca del concierto de Symphony X en Bogotá, Colombia

Sería una desfachatez con el arte, la verdadera música y el progresivo, si hago una descripción o me aproximo a ella, acerca del concierto de Symphony X en Bogotá. No encontraría las palabras adecuadas para definir la energía que se apoderó del Palacio de los Deportes cuando Russell Allen, Michael Romeo, Jason Rullo, Michael Pinnella y Michael Lepond pisaron el escenario.

Mis recuerdos se remontan a la ansiedad por verlos en mi ciudad; por escucharlos y sentir la energía de piezas como Smoke and Mirrors, Of Sins and Shadows y Evolution, entre otras: mis espectativas se cumplieron. Sin embrago, quedé a la espera de obras como Egypt y mi favorita, Through The Looking Glass. Pero el gran final sorprendió a la gran mayoría de los asistentes, incluyéndome...

En la presentación de la banda, realizada por Russell Allen, mencionó lo siguiente, palabras con las que estoy totalmente de acuerdo: Michael Pinnella, quien tiene manos mágicas, en los teclados; y Michael Romeo, uno de los mejores guitarristas del planeta. Allen no se presentó y Symphony X merece estos y todos los elogios que inspiran en sus seguidores.

La energía invadió el Palacio de los Deportes desde que se sintió la presencia de Symphony X en el escenario. Luego, el saludo de Russell Allen y posteriormente, Smoke and Mirrors. Los asistentes estuvieron a la altura de este evento y quiero destacar el la entrega y disposición del público durante cada minuto del concierto.

El final... Para la última pieza musical, Russell Allen advirtió que sería sólo una: The Odyssey. Nadie lo pudo creer. Yo no lo creí hasta que escuché y sentí la grandeza de este grupo escuchando el tema de 24 minutos, perteneciente al penúltimo álbum, del mismo nombre. A estas alturas sólo puedo expresar mi lejano pero sincero agradecimiento por una banda que dejó todo de sí mientras estuvo en mi ciudad.

Los demás serán valiosos recuerdos de lo que fue una presentación impecable y también llena de nostalgia. Symphony X lo dejó todo en el escenario; prueba de ello fue la grandiosa interpretación de piezas nuevas como The Serpent´s Kiss, como los inolvidables clásicos... Y las novedades indican que este grupo cada vez se ubica en su mejor momento musical y artístico. Finalmente, sólo resta disfrutar al máximo su último trabajo: Paradise Lost.

Prog Rules!

Imagen tomada de www.symphonyx.com

Acerca de la música como arte

En los últimos días he tenido diversas discusiones acerca de lo que es música; lo que es arte y lo que no. Todos estos espacios me han servido para llegar a una conclusión: ratificar lo que siento y amar cada día más la VERDADERA MÚSICA. Cada quien puede apreciar de la forma que crea correcta, lo que crea “música”. Sin embargo, la gente no puede negar que el arte debe ser una expresión sincera, nacida de lo más íntimo de quienes son artistas, y su objetivo es, primordialmente, la transmisión de esos sentimientos, por encima de un fin lucrativo.

En realidad no me esfuerzo por imponer mi manera de pensar sobre estas personas, aunque ellas sí, a través de explicaciones poco sólidas y guiadas por algo de irracionalidad. A lo largo de mi vida he sido el constructor de mis propios argumentos y a en algunas oportunidades me he formulado debates acerca de si mi “formación” musical ha sido la correcta. En esas ocasiones han llegado a mi cabeza The Beatles: hoy en día son el grupo más pertinente para ejemplificar el verdadero sentido del arte. Porque en diversas oportunidades la gente los menciona, creyendo que con ellos pueden destruir mis hipótesis acerca de que el fin debe ser más artístico que económico. Sin embargo, las personas deben tener en cuenta que su rumbo cambiaba con cada disco, hasta que Rubber Soul significó el inicio de una etapa llena de novedades experimentales y sobre todo, sinceras expresiones artísticas, hasta el final.

Algunos comentarios están llenos de doble intención, además de ignorancia. Recuerdo uno en especial: “usted cree que escucha arte porque sus grupos combinan el rock con violines”, a lo que simplemente respondí con una carcajada interna y un silencio que significó el fin; por lo menos mi fin en la conversación. Es lo más pertinente y adecuado cuando uno se enfrenta a personas que cierran el diálogo con frases ignorantes, groseras e intolerantes.

Recorro, a menudo, la historia de la música, buscando una respuesta a tan magnífica expresión artística. Descubro que muchos aportaron a la evolución y engrandecimiento musical, y en esos momentos llego a una nueva conclusión: cada aporte, de Mozart, Beethoven, Vivaldi, Wagner, Tchaikovsky, Debussy, Ravel, Holst, Gershwin, Karajan, entre muchos otros, representa lo más puro y esencial de los sentimientos. Y acaso, ¿no es eso lo más valioso que podemos recibir de las personas?

Y al final del camino; luego de varios discos, cuestionamientos y conclusiones llego a una nueva respuesta: me siento feliz al saber que escucho música de gran calidad, porque este adjetivo –calidad- sería el más indicado para el género progresivo. Los verdaderos músicos se esfuerzan por brindar trabajos magnánimos y sobre todo, dignos. Asimismo, respeto las posturas y gustos de cada persona, aunque muchas veces no los comparta.

Hace un tiempo, hablando con Andrés Durán, me dijo una frase tan valiosa como inolvidable: “uno jamás termina de aprender; cada día representa más conocimiento acerca de un artista, una banda, un género. Lo importante es tener la disposición y el respeto para aceptarlo y aprender”.

Imagen tomada de www.rtve.es

Angra llega a Colombia: Propuesta diferente, calidad inagotable

Angra es el único grupo latinoamericano con un posicionamiento importante en la escena del Metal mundial. Ubicado entre las mejores propuestas del género debido a que combinan en sus piezas, elementos tan arrasadores como melódicos. Angra vuelve a Colombia con una oferta musical diferente pero, como siempre, de alta calidad. Visto desde un punto de vista progresivo y mucho más artístico, Angra llegó en la cima de su carrera hace dos años; ahora, con Aurora Consurgens, el panorama es más experimental que denso.

Aunque Angra ha sido estable, en lo referente a la alineación, las diferencias más notables, por alguna razón insospechada, las pueden encontrar los oyentes en los vocales (Edu Falaschi) y las guitarras (Rafael Bittencourt y Kiko Loureiro). Sin embargo, con esta “evolución” básica, los cambios son sustanciales en los sonidos.el ejemplo más claro es la canción que abre Aurora Consurgens: The Course of Nature. Afortunadamente, los grupos de talla mundial, que han llegado a nuestro país, respetan y rinden tributo a su propia historia, evocando los mejores años de su existencia.

Creo que es poco conveniente si especulo acerca del espectáculo del próximo 13 de mayo. No sabremos de qué manera será enfocado este retorno, aunque la calidad es una garantía que siempre han ofrecido los grupos de la talla de Angra. Insisto que los grandes debates que se generan alrededor de las nuevas producciones y la gira que estas conllevan, muchas veces no valen la pena; eso sería poner en duda la altura e incluso responsabilidad de los grupos.
Aurora Consurgens representa una nueva faceta; un cambio que se nota no sólo en cada pieza musical, sino en el arte mismo y la presentación. Es un trabajo limpio, donde cada uno de los integrantes aporta lo mejor de su virtuosismo y se nota en cada acorde. Y aunque no es conceptual, Angra trata de mantener una línea unificada, representada en la fuerza y ésta, basada en composiciones con varios elementos experimentales.

Por otra parte, es necesario destacar la participación de los grupos nacionales. Es una catapulta para proyectarse en la exigente escena internacional, y mucho más si la presentación del grupo principal, Angra, tiene importantes tendencias progresivas. Mecanix se presentará con una propuesta cautivante para un público igualmente riguroso y respetable. Según sus propios integrantes: “Mecanix expone una propuesta basada en las diferentes corrientes del heavy metal clasico e influenciada por el sonido del metal moderno A mediados del 2005 se publica el primer demo debut llamado "Prototype 01" que contiene los temas "Mankind Remembers The Pain" y "Trapped In A Box". La grabacion se realizó en los estudios Artico Records bajo la producción musical de Carlos Venegas y Jorge Holg”.

Sólo resta esperar uno de los mejores conciertos internacionales del año. Es mi posición, rescatar lo más novedoso; los aportes con los que los asistentes podrán identificar la calidad. Aptitudes de cada una de las bandas que recibieron alguna vez el calificativo de progresivas

…PROG RULES!

Imágenes tomadas de www.angra.net

In Search Of Truth, más allá de un disco conceptual

Evergrey es una banda de Metal Progresivo, sueca, cuya principal característica ha sido la composición de discos fuertes en lo referente a líricas e instrumentación. La mayoría de sus álbunes son conceptuales o desarrollan temáticas taciturnas y oscuras. In Search Of Truth es la composición que describe claramente esta característica. Cabe destacar varios aspectos, como la enérgica voz de Thomas Englund y los teclados de Sven Karlsson. Además de fuerte, este disco es innovador en cuanto a la temática: encuentros extraterrestres.

El oyente puede situarse a través de este trabajo discográfico en una noche que inicia con la normalidad absoluta pero que cambia a medida que pasa el tiempo: es una narración temerosa, pero a la vez temeraria donde el personaje sólo tiene un objetivo, encontrar respuestas. El cambio del temperamento de un hombre y la búsqueda de su verdad, reflejan por parte de Evergrey, la profundidad psicológica y analítica de cada una de las nueve piezas que contiene In Search Of Truth.

Cada canción representa un cambio en el tiempo y en el comportamiento de un hombre asustado, sumergido en temores propios y otros, provenientes de un entorno muy ajeno, pero a la vez desesperado y ambicioso de conocimiento y respuestas que lo lleven a descubrir la esencia misma de su vida. The Masterplan, la primera canción, es una antesala a lo que se narra; podría incluirse o no dentro de la historia central, es decir, podría excluirse del orden conceptual del disco. Es notorio y además indudable que la temática se hace explícita con Watching The Skies, donde los desordenes en la mente del personaje se convierten en protagonistas.

Musicalmente, Evergrey explora diversos conceptos experimentales, aspecto notorio sobre todo en el trabajo de teclados (Sven Karlsson). Los cambios drásticos, desde una tonalidad suave a una explosión de densidad pueden apreciarse en el corte The Encounter. El viaje continúa a través de sí mismo, de sus temores y su ansiedad y estos sentimientos los describe la banda durante todo el disco.

Una historia de este tipo sólo puede tener un epílogo, lleno de confusión, decepción, miedo y depresión, pero a la vez aceptación por parte del personaje (Different Worlds, Missled). Es de esta forma como la banda sueca plantea un álbum conceptual, lleno de elementos interesantes, tanto musicales como temáticos.

A través del Metal Progresivo, muchas bandas, incluida Evergrey, han demostrado su profundidad y compromiso por realizar trabajos de alta calidad. Finalmente, quiero destacar que In Search Of Truth es un álbum que desarrolla esta temática extraterrestre no sólo a través de las canciones; también por medio del material fotográfico y de diseño.

...Prog Rules!

Luis Fernando Algarra

Introducción

La evolución del rock progresivo y los diferentes subgéneros han sido determinantes para las nuevas tendencias y las transformaciones de elementos que ya existían. A través de los artículos que publicaré en este Blog, todos los amantes del rock progresivo podrán encontrar un espacio para la consulta, los comentarios y el buen debate acerca de este apasionante mundo que, finalmente, es nuestro común denominador.

De esta forma, quiero manifestar mi punto de vista acerca de la historia, la evolución y también los discos o grupos que han generado reacciones importantes en el ámbito musical. Un ejemplo claro y reciente fue Octavarium. Sin entrar en detalles aún, Dream Theater expuso a través de su último disco una propuesta de lo que podría ser su música, sin duda más experimental, pero no del todo novedosa. Este álbum, específicamente, ha generado una división entre los seguidores de la banda y del género mismo.

Una descripción de los discos no sería suficiente para entrar en los detalles que más interesan. Por eso, es necesario desarticular cada trabajo discográfico con el fin de encontrar el hilo conductor que ha construido esta historia. Cada álbum es un universo único y diferente; es la entrada a propuestas que siempre son serias y elaboradas con esfuerzo en el género progresivo. Y de nuevo, los ejemplos serían interminables: iniciando por The Beatles, pasando por Yes, King Crimson, Rush, Pink Floyd y llegando a proyectos más experimentales como Mike Oldfield, Planet X y Vangelis; sin olvidar a quienes realizaron propuestas más densas como Opeth, Enslaved, Pagan’s Mind, Atheist y, en mi concepto los más grandes, Symphony X, entre muchos otros. (Esta es sólo una lista muy pequeña de algunos de los representantes del género progresivo pero que demuestra la versatilidad y variedad del mismo).

De esta forma, quiero manifestar mis conceptos, que no significan la última palabra, ni mucho menos, alrededor del tema. Simplemente me queda por decir: PROG RULES!

Imagen tomada de www.progarchives.com

Luis Fernando Algarra