Los mejores álbumes de 2012

El 2012 ha sido uno de los años más fructíferos, en cuanto a producciones discográficas progresivas. De los álbumes que fueron publicados el año pasado, algunos podrían ser catalogados como los mejores de este milenio, hasta el momento.

Creatividad y versatilidad podrían ser las dos palabras que mejor describen esa intención que tuvieron artistas como Devin Townsend o Steve Hackett (ambos en este listado) al publicar sus producciones discográficas.

Sin más preámbulos, estos son los cinco mejores álbumes de Rock Progresivo del 2012:

5. Charles Darwin – XII Alfonso: además de ser un álbum musicalmente bien estructurado y tener una producción de alta calidad, Charles Darwin es el proyecto conceptual más ambicioso de 2012. A través de 3 discos (El primero titulado: 1809 – 1835, el segundo: 1836 – 1858, y el tercero: 1859 – 1882), la agrupación francesa XII Alfonso rinde tributo al gran científico, responsable de las más importantes teorías de la evolución.

XII Alfonso ha sido una de las bandas constantes en esos grandes proyectos musicales conceptuales de larga duración, organizados por Colossus y el sello francés MUSEA. Sin embargo, en Charles Darwin no hay canciones de 10, 15 o 25 minutos; la complejidad y elementos artísticos se evidencian esta vez en el concepto como tal y en la instrumentación del álbum, siendo común el uso de ukuleles, campanas tibetanas, entre otros instrumentos folclóricos.

Aunque las canciones tienen una duración relativamente corta, XII Alfonso conserva su esencia sinfónica progresiva, plasmada en sus canciones de 20 o 30 minutos que hicieron parte de proyectos como Odyssey, the Greatest Tale.

4. Epicloud – Devin Townsend: el científico loco del Rock Progresivo no deja de sorprender. Luego de su genial concepto que abarca desde el álbum Ki de 2009 hasta Ghost de 2011, bajo en nombre de Devin Townsend Project, el músico canadiense publicó el año pasado Epicloud. 

Devin Townsend, con su Devin Townsend Project, logró un gran recorrido musical, del ambient music presente en Ghost al metal más extremo de Deconstruction, que evoca sus años con Strapping Young Lad.

Epicloud es el gran resumen. Un sumario que abarca todas estas tendencias tan diversas de Ki, Addicted, Deconstruction y Ghost. La principal particularidad de Epicloud es que cada canción reúne todas esas formas musicales, lo que lo hace un álbum completo, lleno de atmósferas, a la vez con la fortaleza eléctrica característica desde los primeros discos y sin lugar a dudas, es una de las producciones más maduras de Devin Townsend.

3. echolyn – Echolyn: octavo álbum de la agrupación estadounidense de Symphonic Prog, Echolyn. El álbum fue titulado así, echolyn, con la primera “e” en minúscula, minimalismo artístico que contrasta con la grandilocuencia musical de este álbum doble.

“echolyn” abre con Island, que podría ser la canción más progresiva de todos los álbumes de este listado. Larga, con variaciones en las escalas, letras profundas, teclados dinámicos que recuerdan los mejores momentos del género en los años 70, y aunque su duración es de 16 minutos, al escucharla se siente que pasaron 30 o 40 debido a la progresión armónica, sin necesidad de salir de la instrumentación convencional del Rock Progresivo.

Para destacar también la imponencia vocal, tanto en esta canción como en todo el álbum, así como la versatilidad en la ejecución de cada una de las canciones. Hay momentos tan eléctricos como su comienzo mismo, con la guitarra de Brett Kull y a la vez pianos delicados y similitudes con Porcupine Tree en canciones como Speaking in Lampblack.

2. Genesis Revisited II – Steve Hackett: Pudo ser el primero de este listado. El segundo intento de Steve Hackett, ex guitarrista de la legendaria agrupación Genesis, por recrear las canciones más clásicas de esta banda.

Hay grandes diferencias entre este segundo volumen (álbum doble) de 2012 y Genesis Revisited, publicado en 1996. El primero fue mucho más experimental, mientras que el proyecto del año pasado es mucho más respetuoso y fiel a las versiones originales. Uno de los factores que más influyen en esa madurez alcanzada es la presencia de grandes músicos como Mikael Akerfeldt y Steven Wilson, entre otros. Este hecho hace que Genesis Revisited II se convierta en una obra maestra en la que aportan 3 generaciones de músicos; los más grandes del género en los últimos 30 años.

¿Alguno de los seguidores de Genesis en 1976 pensó que Steve Hackett podría hacer un disco en conjunto con uno de los músicos más representativos del Metal Progresivo, como lo es Mikael Arkefeldt? ¿Y viceversa?

Además, es un álbum que aborda las más grandes producciones de Genesis, incluidas Supper’s Ready, The Return of The Giant Hogweed y The Chamber of 32 Doors.

1. Lost in the New Real – Arjen Lucassen: el primer lugar es para el multi instrumentista holandés Arjen Lucassen, con su obra maestra que pasará a la historia como una de las obras más importantes del Rock Progresivo: Lost in the New Real.

Álbum doble conceptual que hace referencia y crítica al mal uso que el ser humano podría dar a las nuevas tecnologías, en este caso la criogenización. Un hombre despierta en un futuro muy lejano, añorando el tiempo pasado en el que vivió. Estos recuerdos llegan a través de la música, un recurso que utiliza Arjen Lucassen para, a la vez, rendir tributo a sus influencias como The Beatles, Pink Floyd, Queen, Led Zeppelin, entre otras. En Lost in the New Real participan varios de los músicos que han trabajado para sus otros proyectos, como Ayreon, lo que le da solidez, consistencia y permanencia en el tiempo a su música.

El segundo disco de este álbum es más explícito en cuanto al “tributo” que rinde a estas bandas, pues consiste en varias versiones, con el toque musical característico de Arjen Lucassen.

Elementos como el órgano Hammond, el Mini Moog o las flautas, ya indispensables en las producciones de Lucassen, son el sello definitivo del sonido progresivo de este álbum, aunque no son los principales factores para que sea el mejor álbum progresivo del 2012.

Lost in the New Real es un álbum impecable en cuatro sentidos fundamentales: música, letras, concepto y producción. 

Camel - Mirage: Un año antes de la perfección

Al escribir esta reseña debo manifestar mi profundo respeto al calificar bandas y álbumes que fueron los cimientos del rock progresivo y que dieron evolución al género, incluso antes de que yo naciera. A los verdaderos expertos del género ofrezco mis disculpas e intentaré dar mi punto de vista objetivo y constructivo sobre las obras maestras que comentaré.

Sobre Mirage, álbum publicado por Camel en 1974, éste es esencial en la historia del rock progresivo. Los pasajes instrumentales son una demostración de un balance y un puente entre Canterbury Scene y el Symphonic Prog que sólo una banda como Camel logró establecer.

Camel alcanzó la perfección musical a través de The Snow Goose y ésta es la razón: Los pasajes instrumentales de Camel permiten descubrir lo que todos buscamos en el rock progresivo: elocuencia musical y la compleja fluidez que permite apreciar este género como arte verdadero.

Mi intención no es descalificar la voz de Andrew Latimer o restarle importancia a su labor como cantante de Camel, pero algunas veces podría generar distracción y extraer al oyente de esa ambientación generada por el buen equilibrio instrumental, que logran los integrantes incluido él mismo con su flauta.

En Mirage, en particular, la voz de Latimer fue importante como complemento de algunos pasajes como en Nimrodel/The Procession/ The White Rider pero no esencial para la publicación de un buen álbum de rock progresivo; se demostraría 1 año después a través de The Snow Goose.

Evidencias progresivas

Earthrise y Lady Fantasy cuentan con todos los elementos necesarios para ser considerada una buena muestra del rock progresivo tales como cambios de tempo, “diálogos” instrumentales interesantes que exigen una ejecución de alta calidad por parte de Peter Bardens, Andy Ward y Andrew Latimer en las guitarras. Sobre Doug Ferguson, el bajo ocupa un plano notorio e incluso fundamental para el desarrollo de algunos pasajes: 5 estrellas por el protagonismo que imprime Ferguson a un instrumento que sólo unos años atrás era de acompañamiento y soporte.

Aunque Mirage tiene todos los elementos indispensables para ser considerado esencial en la historia del rock progresivo, Camel demostró un año después, a través de The Snow Goose, que su nivel de 1974 podía ser superado a través de una propuesta conceptual, ambiciosa y bien elaborada sólo de manera instrumental.

Cardiacs: La locura genial de los creadores del “Pronk”

Hablar o escribir de Cardiacs resulta arriesgado por dos razones: por más experiencia y conocimiento que alguien tenga del Rock, esta agrupación podría pasar desapercibida para el más erudito en el tema; la segunda es su capacidad para generar un gusto exclusivo y segmentado; quienes conozcan a Cardiacs los aman o los odian. Son originarios de Inglaterra y su conformación se dio en Kingston upon Thames en 1977. Su line-up o alineación nunca tuvo una estabilidad deseable, excepto por los hermanos Tim y Jim Smith, quienes a la vez fundaron este proyecto. Aún así, el grupo alcanzó su trascendencia artística con Tim Smith en las voces y guitarras, Jim Smith en el bajo, Sarah Smith en el saxofón, William Drake en los teclados, Dominic Luckman en la batería y Tim Quy en las demás percusiones.

Su música
El gran logro musical de Cardiacs fue condensar varios géneros que en la práctica era imposible juntar, entre ellos el rock progresivo con el punk (muchas veces han sido catalogados como los creadores del Pronk, es decir, la unión entre las vertientes mencionadas). Al mismo tiempo fueron una propuesta consistente del Rock In Opposition (RIO) en Inglaterra, mientras que de esta tendencia en Estados Unidos se encargaba Frank Zappa, otra de sus más grandes influencias. Además, incluyen en sus producciones elementos folk británicos, jazz e incluso psicodelia, con el cual se siente más identificado Tim Smith.

En cuanto a las letras de sus canciones, éstas suelen ser abstractas, con temáticas acordes con la instrumentación y que generan, como mínimo, una alteración de la cotidianidad del oyente. Las canciones de Cardiacs podrían ser la banda sonora de la vida y obra de Salvador Dalí.

Sus alcances
A pesar de las adversidades, Cardiacs sobreviven en el tiempo y nunca han anunciado una desintegración oficial. Es decir, nacieron en pleno furor de la música disco, cuando la juventud sólo se interesaba por estas modas más que por ideas artísticas que significaran cierto nivel de profundidad; llevan más de 30 años en carrera, aunque sus discos no han sido registrados en listas de ventas y en algunos casos, apenas son reconocidos; esto hace que sean producciones de culto entre sus seguidores.

Tan visuales como sonoros
Contrario a lo que pueda imaginarse, los videos han sido uno de los recursos preferidos por Cardiacs para la difusión de sus piezas artísticas. Dedicaron todo lo que tenían a su alcance en producción y ambientación para una creación visual que fuera consecuente con su música. En Internet pueden encontrase más videos oficiales de sus canciones que reseñas e incluso letras de las mismas. Son abstractos y llamativos como sus letras y conservan un concepto que los hermanos Smith cuidan a lo largo del tiempo.

Un concepto tan sólido, que sólo pudo ser otorgado al mundo por la demencia genial de quienes hicieron parte de Cardiacs.

Tommy, pilar esencial del rock como arte

Tommy, la ópera rock de The Who es uno de los álbumes más completos y complejos de la historia. La principal razón es su concepción misma y para ser claro, enumeraré los factores que hacen de esta obra algo único:

• Fue publicado en 1969 como álbum doble, una verdadera osadía si se tiene en cuenta que, por ejemplo, The Beatles lanzaron su primer y único álbum doble 10 años después de su conformación y con 9 discos previos. The Who había terminado su consolidación como agrupación en 1965 y Tommy fue la cuarta producción de su carrera.

• La temática, aún hoy en día, es polémica y resultaría temerario para una agrupación plantear tantas problemáticas de la niñez y juventud en una sola pieza. El disco incluye a grandes rasgos: La búsqueda de respuestas existenciales por parte de un niño (Tommy) quien ve cómo su padre asesina al amante de su madre. Ellos, para contrarrestar el hecho, le dicen que él no ha visto ni oído nada; además nunca hablará sobre esto con nadie. El niño acata al pie de la letra estas palabras y queda ciego, sordo y mudo. A partir de este momento su vida depende de los abusos de personajes siniestros como su primo Kevin y su tío Ernie. A la vez, sus padres intentan encontrar curas médicas y sobrenaturales a su mal.

• Los simbolismos son implícitos e intrínsecos: Tommy, en sus condiciones adversas, se vuelve campeón de Pinball (Pinball Wizard) al derrotar al número uno de este juego en un torneo. La cura de Tommy llega cuando su madre, frustrada, rompe un espejo. Finalmente Tommy consigue su recuperación y adquiere estatus de mesías. Así, intenta recuperar a otros jóvenes con sus mismos padecimientos aunque de una forma brutal y abusiva. Por consiguiente queda solo y esta condición hace que descubra una nueva forma de iluminación…

• Keith Moon en Tommy concluye un proceso de adaptación genial que se reflejaría como una explosión de talento y agresividad rockera en las baterías (tanto en el estudio, como en los escenarios y algunos hoteles). Sólo hay que escuchar la percusión en Tommy para descubrir que alguna vez fue posible la perfección en el Rock. Este álbum podría catalogarse como el primer clinic para batería del género.

• The Who incluye en Tommy estilos musicales que complementan esa propuesta rockera consistente y fuerte, características de la agrupación. Un claro ejemplo son las influencias jazzísticas, evidentes en temas como Welcome, cerca del final de la obra.

• Tommy, compuesto en su totalidad por el guitarrista Pete Townshend, fue concebido como una ópera rock, hasta ese momento una propuesta novedosa que estaba destinada al éxito o al fracaso. Es necesario tener en cuenta que el rock progresivo, el cual contemplaba estas ideas experimentales, nació años después. Entonces, ¿fue Tommy uno de los pilares sobre los cuales se estructuró un género basado en el virtuosismo compositivo, instrumental y creativo?

Tommy fue la respuesta a una pregunta que nadie hizo hasta ese momento. Fue un álbum que marcó el final de una década y significó un paso más en la consolidación de una serie de composiciones geniales que darían al rock un estatus artístico en los 70’s.

Este álbum permanecerá en la historia como el punto donde convergieron: las ideas de Townshend llevadas al límite a través de la búsqueda interna de un niño; la transición ilustre del rock de los 60’s y los 70’s; y el punto de referencia de tendencias culturales que influirían de manera notable a la juventud inglesa hasta nuestros días: el movimiento MOD.

The Beatles in Mono

El miércoles 9 de septiembre de 2009, la fecha que se convertiría en una de las más importantes de la historia de The Beatles (09 09 09), se realizó el lanzamiento mundial de tres artículos que más allá de ser significativos, resultan indispensables, por lo menos dos de ellos, en el entendimiento de ese nacimiento y transiciones de los primeros años del rock: En primer lugar The Beatles in Mono, luego un Box Set similar pero más amplio que reúne la discografía completa del cuarteto británico, en Stereo y finalmente el juego de video The Beatles Rockband, que permite involucrarse con la banda hasta sentirse integrante de esta agrupación emblema.

En Internet hay muchas reseñas con respecto a estos artículos, algunas de ellas bastante completas y que describen desde los aciertos musicales de los cuatro de Liverpool hasta aspectos tecnológicos muy profundos acerca del trabajo que por casi una década se llevó a cabo sobre las cintas originales. En los últimos tres meses he dedicado gran parte de mi tiempo libre a un análisis, objetivo y subjetivo, tecnológico y nostálgico, a propósito de The Beatles in Mono y quiero resaltar algunas particularidades, insistiendo que sobre este tema mucho se ha escrito, en muchas ocasiones creo que con más euforia que con racionalidad, como los artículos del 10 de septiembre.

Han pasado 40 años después de la separación de The Beatles y sólo hasta este año (2009) se realizó un trabajo digno, honesto y profundo sobre las cintas originales monofónicas, desafiando el alto nivel de tecnología que hoy hace parte de nuestro mundo: Somos The Beatles, sonando por un solo canal, así nos conoció el mundo y sonamos mejor que muchas producciones sofisticadas que no sonarían como nosotros ni utilizando 500.000 canales. Esa fue una de las conclusiones luego de escuchar por casi tres meses este Box Set.

Y es que pensándolo bien, The Beatles in Mono es una obra de arte también por esta razón: la música monofónica requirió de un mayor esfuerzo para que las mezclas (proceso en el que se “funden” los sonidos que hacen parte de un álbum para que éste suene equilibrado) por parte de músicos, productores e ingenieros. En estéreo la “repartición” de estos sonidos resulta más equilibrada para la salida por dos canales. En este punto reconoceré el esfuerzo de quienes estuvieron en los estudios Abbey Road, trabajando de manera honesta, ante todo, en la remasterización del sonido monofónico de The Beatles por casi 10 años, algo que no encontré en otras reseñas, los héroes anónimos: Paul Hicks, Steve Rooke, Guy Massey, Allan Rouse, Simon Gibson, Sean Magee, Pete Nash y Staffan Olander. Sí, a través de un mismo producto, estamos comprando dos razones diferentes pero al final son la misma: 1. El catálogo completo de The Beatles en monofónico (excepto Yellow Submarine, Abbey Road y Let It Be, los cuales nunca fueron lanzados en Mono) y 2. El trabajo de estos hombres el cual constituye una obra maestra de la restauración en el arte pues lo realizaron de una manera impecable. Cualquier error hubiese sido una afrenta contra el grupo más importante en la historia del rock.

En la foto: Guy Massey, Simon Gibson, Sean Magee, Sam Okell, Steve Rooke, Paul Hicks y Allan Rouse.

Gracias a ellos, que también podemos considerar artistas responsables de esta obra maestra, los seguidores de “The Fab Four” descubrimos con The Beatles in Mono el sonido auténtico, sin reajustes o nuevas mezclas, al que de manera afortunada o desafortunada nos acostumbramos desde 1987, los que somos relativamente jóvenes.

El valor comercial de The Beatles in Mono es otra de las curiosidades, teniendo en cuenta que es más alto y a simple vista el Box Set es más pequeño, con menos discos, presentación más rústica (la cual es una réplica de los acetatos originales) y sin catálogos independientes para cada disco, como sí ocurre con la colección en estéreo y las versiones individuales de los CD’s. El valor se justifica y aunque hay varias razones, ésta es la principal: Con The Beatles in Mono podemos apreciar lo que el cuarteto hizo originalmente, sin que ingenieros y productores intervinieran las grabaciones para las versiones en estéreo. Este Box Set presenta a The Beatles de manera inédita, auténtica y original por primera vez, después de 40 años de su disolución. Por lo anterior, no basta escuchar desde Please, Please Me hasta The Beatles (más conocido como Álbum Blanco), incluyendo The Mono Masters, sino que se debe asimilar que así querían John, Paul, George y Ringo que sus seguidores los escucháramos.

Como lo mencionaba, cada álbum es una réplica casi idéntica de los discos que se lanzaron originalmente, incluyendo las portadas, contraportadas, labels e incluso el sobre de protección que envuelve al acetato y los plásticos, en este caso los CD’s.

Aunque hay varios detalles musicales que pueden percibirse por primera vez en CD (p. ej. El riff al final de la canción Help!, del álbum homónimo o los efectos de Revolver) no haré énfasis en ellos, no porque sean irrelevantes sino porque para alcanzar un concepto medianamente correcto de estos factores se necesita de una profundización que vaya más allá de 3 meses al lado de The Beatles in Mono.

El cuadernillo incluido en el Box Set está lleno de notas nostálgicas y apartes que justifican la existencia de esta caja que en sí tiene un valor inmenso; The Beatles in Mono resulta esencial en la comprensión y admiración de la historia de la música o por lo menos del rock. Además, el cuadernillo incluye explicaciones profundas sobre estas sesiones y cómo fue el proceso de elaboración de cada uno de los discos, también fotos y créditos de cada uno de los 13 discos que componen el Box Set.

De esta manera quería exponer algunos aspectos que no han sido destacados en publicaciones recientes, referentes a The Beatles in Mono, sin entrar en otros detalles ya expuestos o en otros que merecen un mayor análisis; que por respeto y responsabilidad serán reseñados luego de un tiempo más prudente en el que los admiradores podamos disfrutar de la caja, con mayor provecho.

The Beatles in Mono, esencial.

¿Pop progresivo o un alejamiento imperceptible del arte? Una mirada superficial a Kino y Genesis

Esta pregunta me surgió hace un par de años cuando escuché por primera vez un proyecto inglés llamado Kino, conformado por algunas de las más grandes personalidades del rock progresivo, incluyendo a John Mitchell de Arena y Chris Maitland de Purcupine Tree, entre otros. Para este análisis sólo recurriré a esta banda y por supuesto a quienes generaron un gran debate en torno a esta cuestión al finalizar la década de los 70: Genesis.

El asunto es que cuando escuché a Kino y más específicamente su único álbum titulado Picture, sabiendo por quienes estaba conformada esta agrupación, me preparé para creación de ambientes y atmósferas, tal y como acostumbran Mitchell; Maitland; Trawavas, bajista de Marillion y John Beck de It Bites, aunque debo confesar que no he seguido de manera juiciosa la carrera de esta banda. Sin embargo, encontré algo diferente y trataré de resumirlo: Alta calidad musical, basada en formas no del todo complejas, recurriendo a estructuras tradicionales de música popular e incluso letras y música ligeras. Conservan las canciones relativamente largas.

Algunas personas tienen por costumbre encasillar en algún género a las agrupaciones que se escuchan por primera vez y ahí estuvo el primer reto: De acuerdo con las características descritas, el grupo podría compartir escena con Oasis, Coldplay, Radiohead o Muse o algunas similares, bandas que por cierto cuentan con toda mi admiración. Pero a la vez Kino plasma exposiciones artísticas muy bien definidas; el grupo está conformado por músicos que imprimen virtuosismo y diseños poco comunes en sus canciones, algo que también es evidente en Picture… ¿A qué género pertenecen?

Revisando antecedentes
Kino además es un grupo que produce una profunda meditación o por lo menos genera cuestionamientos acerca de si todo está inventado, en la música y en la vida misma. Aunque el álbum Picture no es una obra maestra del Rock, hay que anotar que es un gran referente para estas nuevas tendencias y por qué no, lo que podría ser el rock progresivo en el mediano plazo. Bastante destacables son las canciones Loser’s Day Parade, la cual abre el disco y People, composición con la que Kino pretende esas influencias progresivas, por medio de la instrumentación, variaciones contundentes en los cambios tonales, entre otras características.

Del “Genesis” a la “Revelación”
Kino es una agrupación que además puede quedarse en la vida de un melómano, además es fácil de comprender y asimilar su música, si se tiene en cuenta que es rock progresivo. Es este mismo concepto del rock progresivo con todos sus matices el que permite visualizar y percibir respuestas obvias que al principio no lo fueron: Genesis, quienes fueran fundadores de este género, cambiaron al pasar de los años hasta convertirse en una agrupación totalmente encasillada en el pop británico de los 80. La transición tiene nombre propio y fue el álbum de 1980 titulado Duke, obra maestra del Symphonic Prog, pero además un excelente álbum para los amantes de los sonidos ligeros y en general del pop: una conjugación de dos mundos para crear perfección y el ejemplo más claro: Turn It On Again.

Por esta razón, para quienes busquen la “piedra filosofal” de la música contemporánea, relacionada con el rock, puede ser Duke. Fue el último disco de la banda lleno de pinceladas artísticas pero a la vez una aproximación a gustos genéricos. Luego de 1980, Genesis se convertiría en un grupo de pop – rock con muchos éxitos en ventas, en especial los temas de sus discos Abacab e Invisible Touch, los cuales conservaron vestigios progresivos evidentes en Dodo/Lurker, Domino y The Brazilian, entre otras.

Y como si en realidad hubieran sido la Revelación aparecieron más artísitas que utilizaron la fusión de dos géneros que fueron descritos en varias oportunidades como polos opuestos (rock progresivo y pop) para crear obras maestras atribuidas sólo a los genios: Supertramp, Queen, Kansas e incluso King Crimson en algunos periodos de su carrera.

En la historia del género progresivo fueron necesarios estos lapsos de ligereza, en los cuales los artistas logran entrar a un mundo diferente y en muchas ocasiones retornar a las raíces complejas con una visión más amplia y una aproximación a una realidad más sencilla, por lo menos en cuanto a música se refiere.

Acerca del álbum conceptual y las historias hechas música

El término conceptual, en el género progresivo y la música en general, se refiere a los discos elaborados con base en historias originales o ideadas de manera específica para el álbum. Durante los periodos de la música, ha sido recurrente que los compositores recurran a relatos cuyos contenidos ayudaron a crear de manera musical ambientes descriptivos llenos de magia, fantasía e imaginación.

Mozart y su “Flauta Mágica”; Tchaikovsky con el “Cascanueces”; Wagner y sus interminables mitos germánicos traducidos en música; Debussy y “La Mer” son pocos pero relevantes ejemplos que nos muestran el concepto a lo largo de la historia en la música.

Pocos años después del nacimiento del rock, surgió una evolución que desde su comienzo no tendría fin y se haría más exigente con el transcurso de los años. Recordemos, el Rock inició a comienzos de la década de los 50 y adquirió un nivel de consolidación a comienzos y mediados de los 60 con la invasión británica a América. Pasaron menos de 20 años antes de que el rock fuera alimentado con elementos artísticos y se desarrollara el concepto en los álbumes: el rock dejaría de ser un género vacío y superficial para llegar a un nivel estético y virtuoso jamás imaginado.

Existen varios puntos de vista con respecto a ese génesis del rock progresivo, representado por el concepto en el álbum. Presento el mío: Los primeros esbozos los produjeron en Inglaterra The Beatles, The Who y Pink Floyd. Aunque en Estados Unidos, The Beach Boys trabajaban en Pet Sounds, es indudable que Europa siempre ha aportado consolidaciones, en cuanto a música se refiere.

Si bien Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band es el primer álbum conceptual de la historia, gracias a la sinergia entre su portada y algunos contenidos líricos, es poco fundamentado catalogarlo puramente progresivo. Al finalizar la década, las bandas se enfocaron en la realización de discos de altísima calidad musical y también incluyendo un elemento novedoso: el concepto.

Tommy (The Who), In The Court Of The Crimson King (King Crimson), Aqualung (Jethro Tull) fueron algunos de los discos compuestos bajo las características de “álbum conceptual”. El poco tiempo transcurrido de esta evolución no fue impedimento para el desarrollo y la calidad de estos trabajos. Sin embargo, los grupos progresivos que nacían en todo el planeta no asumieron el concepto como dogma total dentro de su discografía. Este no fue un inconveniente, pues de manera paralela surgían álbumes que no eran conceptuales, pero de gran calidad, como por ejemplo The Dark Side Of The Moon, el cual fue publicado en los inicios de los 70, al igual que los mencionados con anterioridad.

Las composiciones de álbumes conceptuales también generaron su propio avance y crecimiento intelectual: de esta manera, antes de finalizar la década de los 70, surgieron: The Wall (Pink Floyd); Duke (Genesis); Variations (Andrew Lloyd Webber), disco que está referenciado en ProgArchives como esencial y pieza maestra de la música progresiva.

Características principales de los álbumes conceptuales en la música progresiva

Como mencioné anteriormente, la música conceptual no es exclusiva del progresivo y no todos los discos compuestos en este género tienen la particularidad del concepto. A continuación enumeraré algunas de las características que han acompañado los trabajos discográficos, así como algunos de estos álbumes, haciendo la aclaración que no corresponden, necesariamente, a los más representativos, pero con un grado de importancia dentro de la escena:

• En los discos ha sido recurrente el desarrollo musical de historias ya existentes: por ejemplo “Alicia en el País de las Maravillas”, “La Odisea”, “La Isla del Tesoro”, e incluso “Pedro y el Lobo”.


• Las ideas originales de los artistas, también han sido plasmadas en sus discos y estos corresponden a una etapa posterior y más comercial de la música progresiva: “In The Court Of The Crimson King”, “Tommy”, “The Wall”, “Scenes From A Memory” y por qué no Rhapsody con su interminable saga sobre Algalord, dragones, Dargor y demás creaciones fantásticas, desarrolladas en todos sus discos, desde sus inicios.


• El uso de personajes jóvenes y en búsqueda de respuestas o claridad con respecto a una situación particular. (Hay ejemplos claros: Tommy, el niño ciego, sordo y mudo, Victoria, la “mujer joven” que en parte inspira Scenes From a Memory; y las recurrentes figuras infantiles usadas por Andy Kuntz en Abydos).


• Situaciones y personajes figurativos, poco ortodoxos. De igual forma, un lenguaje descriptivo implícito, el cual deja mucho a la imaginación.


• Uso de varias figuras mitológicas e históricas que se unen para crear un único concepto. P. ej. The New Mythology Suite, de Symphony X.


• Continuación del concepto en discos posteriores, como lo haría The Beatles y la supuesta muerte de Paul McCartney en Sgt. Peppers, que sería simbolizada hasta el final de la agrupación con el disco Abbey Road. Dream Theter lo realiza desde Scenes From a Memory hasta Octavarium.
  

El concepto en la música es fundamental, como en cualquier tipo de arte. Y se debe resaltar que un álbum conceptual elaborado pretendiendo la perfección y con el conocimiento sobre el cual se basó es una pieza maestra, de lo contrario, hará parte del olvido intencional en la historia.

Estos son algunos de mis recomendados que he escuchado últimamente:

Ziltoid The Omnisient, Devin Townsend: Una historia bastante amena, creativa y con altísima calidad técnica, en la cual el extraterrestre Ziltoid llega a la Tierra con todo tipo de ocurrencias, dispuesto a hacer todo por conseguir una taza de café. Un disco recomendado para los amantes del Math/Post Rock y nuevas tendencias musicales.

The Human Equation, Ayereon: Narra la historia de un hombre que se encuentra en un hospital, tras sufrir un accidente. A lo largo de 20 días reconstruye los sucesos y descubre por qué está ahí.

V: The New Mythology Suite, Symphony X: Un recorrido de Symphony X por el mediterráneo y las historias que alguna vez hicieron grande a esta región: se incluyen referencias explícitas de Grecia y Egipto.

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, The Beatles: El primer album conceptual de la historia en el cual The Beatles representan a una banda ficticia (Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band). El disco, en parte, describe la muerte de Paul McCartney, quien es reemplazado por Billy Shears. Desde la portada está lleno de claves. El bajo hecho de flores sólo tiene tres cuerdas, en la parte de atrás aparece McCartney de espaladas y tanto Lovely Rita como A Day In The Life describen el accidente en el que se produjo la supuesta muerte.

Tommy, The Who: Un niño es el protagonista de esta historia, en la cual queda ciego, sordo y mudo luego de un trauma psicológico generado por un asesinato que presencia. Su vida se llena de más dificultades al tener en su familia varias personas que abusan de él. Sin embargo, al final hay un espacio para el resurgimiento personal.

The Wall, Pink Floyd: Una de las críticas más directas al modus vivendi británico a través de la historia de Pink, quien pone ladrillos para la construcción de su muro, los cuales representan cada uno de los malestares sociales. Al final, a través del “juicio” logra su liberación y transitar el camino de una nueva oportunidad.

Scenes From a Memory, Metropolis Pt. 2: Nicholas siente que no es el mismo y recuerda historias que nunca vivió. Es el resultado de la reencarnación de Victoria Page, quien sufrió una muerte misteriosa. Al final Nicholas sufrirá un final sorpresivo. Asimismo esta historia marca el inicio de la saga de Mike Portnoy de los 12 pasos para la rehabilitación del alcoholismo.